3 de noviembre de 2026

“Cuidaba su jardín mientras cantaba para sí misma. Era una maestra de la oración sonora. Y pensé en cómo los artistas también deben cuidar sus jardines.” Patti Smith sobre Hildegarda de Bingen 

No es casualidad que buena parte de las personas que han escrito sobre la Bienal de Arte de Venecia estén de acuerdo en que hay algo que diferencia la muestra de la Santa Sede con respecto al resto de las propuestas: el tiempo sublime, casi mágico, de ofrecer un espacio de contemplación y reencuentro huyendo de lo abrumador y la saturación visual.

Llegando a la estación de Santa Lucía, cientos de turistas entran y salen con sus maletas con un ritmo frenético, bien por la necesidad de coger el tren o por la emoción de descubrir la ciudad. Frente a esta bulliciosa escena, a pocos pasos se esconde una calle tranquila que aparentemente no tiene salida. Al fondo, una puerta da paso al Giardino Mistico de los Carmelitas Descalzos, una de los dos espacios expositivos del pabellón de la Santa Sede y una de las propuestas que más me han sorprendido de toda la Bienal.

El título de la muestra, The Ear is the Eye of the Soul, lo propuso el cineasta alemán Alexander Kluge, fallecido en marzo de 2026, cuya última obra se expone en la otra sede del pabellón, el Complesso di Santa Maria Ausiliatrice, en Castello.

La muestra toma como referencia a dos mujeres. La primera es Koyo Kouoh, comisaria de esta edición de la Bienal, cuyo planteamiento, materializado de forma póstuma, propone bajar el ritmo, escuchar, renunciar al afán de catalogarlo todo y reconectar con la experiencia sensorial del arte.

La segunda es Hildegarda de Bingen (1098-1179), cuya obra es el punto de partida de las creaciones de los artistas invitados.

Esta monja benedictina alemana fue una de las personalidades más destacadas de la Edad Media: abadesa, mística, compositora, escritora, naturalista y médica. De su música se conservan unas 70 composiciones litúrgicas, reunidas en la Symphonia, además del Ordo Virtutum, una especie de drama musical considerado uno de los primeros “musicales” de la historia.

Para Hildegarda, la música era el camino para recuperar la armonía perdida entre el ser humano, la creación y Dios. Esa dimensión casi extática de sus cantos hizo que, siglos después, conectaran con el ambient, el new age y la electrónica de los años 80 y 90. O Euchari fue sampleado por The Beloved (1989) y Orbital (1991), y Richard Souther le dedicó un arreglo electrónico en su disco Vision (1994), al que siguieron versiones de otros artistas. Más recientemente, Rosalía la citó, junto a otras místicas, como inspiración de su canción “Berghain” (2025).

La experiencia soundwalk

La visita consiste en hacer un recorrido por el jardín con unos auriculares inalámbricos que detectan dónde está cada visitante y se van fundiendo las obras de los artistas según caminan por el jardín.

Las piezas se han creado específicamente para este espacio. Entre otras, hay composiciones de Brian Eno, Caterina Barbieri (directora artística de la Bienal de Música), Carminho, Suzanne Ciani, FKA Twigs o Patti Smith, y poemas de Raúl Zurita o Bhanu Kapil.

A su vez, el sistema creado por Soundwalk Collective, el grupo que lleva la dirección artística, aporta sonido en directo: capta los impulsos eléctricos de las plantas y los sonidos del jardín, como las abejas o los pájaros, y los mezcla con el resto de las piezas. De esta forma, lo que escucha cada persona por sus auriculares es diferente, y depende del momento, del paso y del recorrido que haga.

¿Cómo se consigue esto?

Los auriculares semiabiertos de Audio-Technica, equipados con el sistema de localización de la empresa vienesa NOUS Digital, permiten, a través de una red de 69 antenas UWB (Ultra-Wideband, una tecnología de radio de alta precisión) repartidas por el jardín, localizar en todo momento a cada visitante. El jardín está dividido en zonas invisibles, y cada una está asignada a uno de los artistas. Cuando se entra en una zona, el sistema lanza la pieza correspondiente, y al pasar a otra, la mezcla cambia de forma gradual, sin cortes. Por eso parece una sola composición continua, cuyo orden y ritmo decide cada visitante con sus pasos.

La experiencia va más allá de lo sonoro. El espacio arquitectónico, el sonido de las campanas, la luz entre las hojas, las granadas colgando, el olor a albahaca, pimiento, salvia… el agua del canal al fondo… Todo acompaña a una experiencia que deja de ser solo auditiva para ser multisensorial. La belleza de ese silencio, de esa pausa, es tan inmensa que te envuelve, te atrapa y te va llenando hasta que, de pronto, sin saber muy bien por qué, la emoción te desborda. Creo que es un ejemplo estupendo de lo que Koyo Kouoh deseaba para esta Bienal, y también una muestra de lo que el arte y la tecnología, juntos, pueden hacernos sentir: más humanos.